De un festival de teatro contemporáneo, cuentos de arte y supervivencia

BERLÍN – El teatro, según la directora e intérprete española Angélica Liddell, es un acto de sacrificio. En los primeros minutos de su nuevo programa, “Liebestod: El olor a sangre no deja mis ojos, Juan Belmonte – Histoire (s) du Théâtre III”, toma una hoja de afeitar y se corta las rótulas y el dorso de las manos. . Es un “sacrificio en nombre del absurdo”, explica en un adelanto en línea de la producción. “No es un sacrificio en pos de un bien mayor”.

“Liebestod” es la pieza central del festival FIND de nuevo drama internacional de este año en el teatro Schaubühne de Berlín, donde muchas de las entradas de 2021 coquetean con el poder redentor del arte como herramienta tanto para la supervivencia como para la trascendencia.

La personalidad teatral que Liddell asume en “Liebestod”, una obra de teatro basada en un monólogo sobre el arte, la religión, Wagner y las corridas de toros, es ruidosa, enojada, autodestructiva y sorprendentemente musical.

Cuando no está cantando, arrullando o chillando al ritmo de Bach, Handel y la rumba flamenca española, arremete contra el público por su mediocridad, hipocresía y gustos vulgares desde un escenario escasamente decorado cuyo suelo amarillo y cortinas rojas sugieren una plaza de toros.

En soliloquios prolongados, Liddell critica la decadencia espiritual y estética de la “cultura” contemporánea. Tampoco se libra de críticas mordaces. Como resultado, la producción contiene un comentario continuo sobre su propio estatus como arte.

“Liebestod” se refiere, por supuesto, al “Tristan und Isolde” de Wagner. El término se usa a menudo como una abreviatura de la radiante coda de la ópera, donde Isolda se canta a sí misma hasta la muerte en un momento de transfiguración de éxtasis. Nunca escuchamos el aria en la producción, aunque Liddell, vestido de torero, recita la letra de la efigie disecada de un toro.

Si bien las corridas de toros son un tropo principal de la producción, “Liebestod” también está inundado de simbolismo católico. Liddell interpreta lo litúrgico de formas perturbadoras y absurdas, incluso en una escena en la que limpia su propia sangre con pan, que luego come. También hay un doble amputado disfrazado de Jesús y un relicario de vidrio en forma de ataúd lleno de gatos vivos. Algunas de estas imágenes parecen dignas de Buñuel (un artista que Liddell venera), aunque el cineasta ateo se levantaría de entre los muertos para protestar cuando Liddell respalda la teocracia como correctivo a una sociedad construida sobre valores seculares.

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Aunque se lacera a sí misma y a su público (algunos de los cuales se fueron; otros rieron nerviosamente; la mayoría aplaudió de todo corazón), está claro que Liddell considera el arte como una fuente de belleza sagrada. Y en los momentos en que su producción se acerca a la cúspide del arte que tanto venera, Liddell nos hace sentir lo deslumbrada que está.

Si bien Liddell actúa como si cada minuto que pasa en el escenario fuera una lucha por la supervivencia, no es la única persona con trabajo en el festival para quien hacer arte parece una cuestión de vida o muerte. El director ruso Kirill Serebrennikov pasó 18 meses bajo arresto domiciliario en Moscú por cargos de malversación de fondos que se considera que son inventados. Durante su largo encierro (y los encierros por coronavirus que le siguieron), Serebrennikov ha dirigido obras de teatro, óperas, películas e incluso un ballet de forma remota. Gran parte de su trabajo en la época del encierro se ha ocupado de la persecución, la paranoia e incluso el encarcelamiento, lo que sugiere una elaboración terapéutica de temas que cobran protagonismo en la nueva realidad del director.

En 2017, Serebrennikov se puso en contacto con el fotógrafo chino Ren Hang para desarrollar una obra inspirada en sus imágenes sorprendentemente provocativas. Poco después, Hang saltó a su muerte y la libertad de movimiento de Serebrennikov se vio restringida. Desde su sala de estar, ideó “Outside”, una doble exposición fantasmagórica de él mismo y Hang que se estrenó en el Festival de Aviñón de 2019.

Al comienzo de la actuación, el actor estadounidense Odin Lund Biron interpreta a un personaje similar a su director. Conversa con su sombra sobre la vida en el encierro y bajo vigilancia. Estas primeras escenas, que representan una versión de la ordalía kafkiana del director desde el interior, son las más dramáticamente absorbentes de la obra. Pronto, sin embargo, Biron es casi suplantado por el suave actor ruso Evgeny Sangadzhiev, quien interpreta al fotógrafo chino. El escenario se llena de hermosos cuerpos, muchos desnudos o en distintas etapas de desnudez.

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Gran parte de los siguientes 90 minutos son una serie de coreografías eróticas que dan vida a las fotos de Hang. Aunque con frecuencia llama la atención, la larga sucesión de tableaux vivants a menudo se siente arbitraria en su orden y selección.

“Afuera”, aunque menos hermético que “Liebestod”, está igualmente comprometido con el arte que trata de minar el dolor personal en busca de la clase de belleza rara que puede producir una epifanía. A pesar de todas sus diferencias, estos dos espectáculos reflejan la sensibilidad de los artistas que no temen practicar su arte como un fin en sí mismo.

“Creo que hacer del teatro una herramienta es la muerte al teatro y la muerte al arte”, dice Liddell en el teaser de “Liebestod”. En el contexto del festival de este año, ese credo casi suena como una advertencia para algunos de los otros artistas que aparecen en el programa.

En “No es el fin del mundo”, el escritor Chris Bush y la directora Katie Mitchell corren el riesgo de utilizar el teatro para sermonear a la audiencia sobre los peligros del cambio climático. Bush es un dramaturgo británico joven y aclamado; Mitchell es posiblemente el cineasta inglés más influyente que trabaja regularmente en el continente. Lamentablemente, su encuentro es nefasto.

La obra alterna entre períodos de tiempo y líneas argumentales a una velocidad vertiginosa: un joven científico del clima se entrevista para un puesto postdoctoral; un investigador que muere durante una expedición de investigación; una mujer que pronuncia un panegírico por su madre.

Para su crédito, Bush y Mitchell han evitado conscientemente hacer una jugada militante, pero lo que nos han dado es tan escurridizo que es muy difícil manejarlo.

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La gran cantidad de anécdotas oscuras o cósmicamente extrañas que se incluyen en este texto en forma de collage a menudo hace que la obra suene como “Hallazgos”, la característica de la última página de la Revista de Harper que recopila hechos disparatados de revistas científicas.

De acuerdo con el tema de la obra, toda la producción se ha elaborado teniendo en cuenta la sostenibilidad. El equipo británico no viajó a Berlín para los ensayos; los decorados y el vestuario han sido reciclados o reutilizados; y el sonido y la iluminación del espectáculo son impulsados ​​por dos ciclistas que pedalean desde los lados del escenario. Sin embargo, estos hechos no aportan mucho a la producción.

Otra producción británica de FIND, “Love” de Alexander Zeldin, también corre el riesgo de “convertir el teatro en una herramienta”. Visto por primera vez en el National Theatre de Londres en 2016, se centra en una familia que ha sido desalojada repentinamente de su apartamento y se encuentra en un refugio abarrotado, luchando por mantener su dignidad.

Hay tantas formas en que una obra de teatro como esta podría salir mal, pero “Love” no es ni serio ni sermoneador. Los temas están tan elegantemente dramatizados y los personajes tan hermosos representados, que termina siendo políticamente urgente casi a hurtadillas; El impacto emocional de la producción es sorprendente considerando lo económicamente que se arma.

El inmenso escenario que representa la triste residencia juega un papel central, para los actores, imagino, tanto como para el público. Este es el teatro naturalista en su máxima expresión, que evoca el trabajo de los cineastas Mike Leigh y Ken Loach.

“Love” me hizo pensar que quizás Liddell es demasiado absolutista en su forma de pensar. No digo que sea fácil, pero en las manos del artista adecuado, un teatro vivo para los problemas sociales y políticos puede ser una ocasión de belleza y trascendencia.

FIND 2021 continúa en Schaubühne hasta el 10 de octubre