En Londres, musicales que se mantienen fieles a una marca

LONDRES – Hay una historia humana incrustada dentro del brillante juguete que es “Regreso al futuro: el musical”, que se inauguró el lunes por la noche en el Teatro Adelphi aquí. Pero prácticamente sabes desde el principio que una audiencia acelerada está guardando su mayor rugido de reconocimiento para cierto accesorio.

Ese sería el auto genial tan querido de la exitosa película de 1985 que es la tarjeta de presentación para la transcripción de la película del director ganador del Tony, John Rando, en el West End. (Una carrera en Manchester en marzo de 2020 fue interrumpida por la pandemia).

Y así lo demuestra. Apenas el aclamado DeLorean se ha abierto camino en un set de Tim Hatley, que a su vez se asemeja a una gigantesca consola de computadora con marco de LED, antes de que el teatro estalle en vítores que en el pasado, por así decirlo, podrían haber estado reservados para las leyendas del mundo. escenario. Con sus puertas de ala de gaviota casi listas para tomar vuelo, el vehículo luego se eleva hacia el auditorio, dando un salto mortal en el proceso. “Chitty Chitty Bang Bang”, come tu corazón.

El resultado rinde homenaje a una gran variedad de diseñadores de iluminación, sonido y video, sin mencionar las ilusiones de Chris Fisher, y recuerda la era del mega musical de la década de 1980 y su dependencia de los efectos visuales: el candelabro que cae en “El fantasma de la ópera”. ”Y el helicóptero que gira en“ Miss Saigon ”, por citar solo dos ejemplos.

¿Y los actores? La actuación de apertura de “Regreso al futuro”, como sucedió, sufrió un reemplazo de elenco de último minuto cuando su (excelente) coprotagonista, Roger Bart, fue marginado ese día por un diagnóstico positivo de Covid-19. El papel del pelirrojo Doc Brown, inmortalizado por Christopher Lloyd en la pantalla, ha sido cedido temporalmente al suplente de Bart, Mark Oxtoby. Vi la alegre actuación de Bart, maníaca e inesperadamente conmovedora, en la vista previa final.

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Aún así, ¿te imaginas el caos que podría sobrevenir si las capacidades mecanizadas del programa se cerraran? Eso llevaría al dolor a una aventura teatral que, como tantas películas convertidas en musicales teatrales, existe esencialmente para honrar a la marca. Al igual que con “Frozen”, la extravagancia de Disney que se estrenó en un West End recientemente bullicioso apenas cinco días antes, los creadores deben dar a los obsesivos un facsímil razonable de la película mientras intentan encontrar algo excepcionalmente digno de un escenario para lo que, después de todo, es una franquicia. (Ambos musicales se centran en la mercancía).

La necesidad de pensar fuera de la caja del celuloide explica las 16 nuevas canciones de los ganadores del Grammy Alan Silvestri y Glen Ballard que actualmente sobrecargan una historia conocida en la pantalla en términos musicales para Huey Lewis and the News con el rock de “The Power of Love”. Ese despertador siempre bienvenido aparece justo a tiempo para alimentar un final feliz.

Las nuevas canciones, por el contrario, se sienten en gran medida como un relleno, aunque Bart consigue la atractiva y lastimera “For the Dreamers”, y Olly Dobson aporta una energía ilimitada y una voz fuerte al aspirante a rockero Marty McFly, el viajero en el tiempo adolescente interpretado en la película. por Michael J. Fox. “Something About That Boy” tiene un ritmo rápido apropiado para la era de “Grease” a la que el material rinde homenaje, y varios números hacen referencia al tiempo específicamente, como corresponde a una narrativa de ciencia ficción en la que el monopatín feliz Marty se ve obligado a reparar nada menos que el continuo espacio-tiempo.

Y, sin embargo, es el DeLorean nuevamente el que genera un programa de doble página que explica aspectos específicos de vehículos como estabilizadores de campo temporal, un generador de pulsos de taquión y, lo que es más importante, un capacitor de flujo. Ese último elemento se ejercita como motor, perdonarás esa elección de palabras, que impulsa la trama cuando un Marty ansioso regresa a 1955 en un esfuerzo por unir a sus padres para asegurarse de que su propia existencia no se borre. .

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Debido a que 1985 es ya hace mucho tiempo, el libro de Bob Gale (coautor, con Robert Zemeckis, de la película) ha descartado sensiblemente a los terroristas libios que figuran en la película. En cambio, obtenemos una referencia bastante desesperada al apetito actual por la col rizada, y una alusión irónica a 2020 como una época sin guerras, crímenes o enfermedades.

No había recordado el grado de profundidad edípica de una historia en la que Marty se resiste a las insinuaciones de su propia madre, Lorraine (una Rosanna Hyland de voz clara), para ponerla bajo el influjo romántico de la década de 1950 del geek George (un apelando a Hugh Coles). Este encantador de floración lenta, entregado en una canción a la rima “miopía” y “utopía”, es el que pertenece a los brazos de Lorraine, no su propio hijo.

Un bromance se desarrolla en el camino entre Marty y Doc, una especie de mentor que en esta iteración rompe la cuarta pared más de una vez para expresar consternación al verse rodeado por el coro de alto nivel del coreógrafo Chris Bailey. La sorpresa, en contexto, es comprensible. Después de todo, no puede ser fácil convertir el baile en un escenario en el que el automóvil obtiene los mejores movimientos.

“Frozen” provoca sus propios jadeos cuando el vasto escenario del Theatre Royal Drury Lane se entrega a un resplandeciente paisaje de hielo contra el cual Elsa, dotada de magia, puede cantar “Let It Go”, la poderosa balada ganadora del Oscar de 2013 película animada que envía a la audiencia al intermedio en lo alto. Pero a pesar de todas las transformaciones producidas por el set de Christopher Oram, el énfasis permanece firmemente en los personajes, no menos en la contenida Elsa (Samantha Barks) y su hermana menor, comparativamente descabellada, Anna, cuya jovialidad está destinada a parecer entrañable, pero yo Me temo, me dejó frío en la pantalla y de nuevo en el escenario. (Una alegre Stephanie McKeon, debería decirse, ofrece lo que requiere el papel).

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Es la magníficamente realizada Elsa de Barks la que más se beneficia de esta reconsideración de un espectáculo que fue el primer título de Broadway obligado por la pandemia a dejarlo todo. Después de haber tenido tiempo de mirar el material de nuevo, el director Michael Grandage y su equipo han reforzado el tenso estado emocional de una reina de las nieves que se enfrenta salvajemente a sus propios poderes y les ha dado a los hermanos un dueto, “I Can’t Lose You, ”Que coloca este espectáculo en un continuo establecido por“ Wicked ”y centrado en una hermandad literal o figurativa.

La trama sigue siendo peculiar: los padres de Anna y Elsa mueren en el mar, una pérdida que apenas parece registrarse, y muchos de los cambios de comportamiento parecen decididamente arbitrarios. Ah, ¿y de qué otra manera explicar ese primer acto del segundo acto, “Hygge”, que involucra al conjunto que emerge semi-vestido de una sauna, más allá de darle algo que hacer al coreógrafo Rob Ashford?

Una ventaja definitiva para la producción de Londres es la restauración de unos 60 millones de libras del teatro en sí, que ahora parece lo suficientemente exuberante como para que yo, por mi parte, sea cauteloso al invitar a miles de personas a través de portales tan elegantemente decorados. “Frozen” seguramente atraerá a innumerables familias a lo largo de su carrera. Esperemos que estos clientes hambrientos y sedientos traten con respeto su nuevo y deslumbrante entorno.

Regreso al futuro: el musical. Dirigida por John Rando. Teatro Adelphi.

Congelado. Dirigida por Michael Grandage. Teatro Royal Drury Lane.