Jesse Eisenberg compara la sombría película de culto ‘Manodrome’ y ‘Now You See Me 3’

Fecha de lanzamiento

10 de noviembre de 2023

Director

John Trengove

Elenco

Jesse Eisenberg, Adrien Brody, Odessa Young, Philip Ettinger, Ethan Suplee, Evan Jonigkeit, Caleb Eberhardt

Clasificación

R

Tiempo de ejecución

96 minutos

Género principal

Drama

Géneros

Suspenso

Estudio(s)

Grupo de entretenimiento Grindstone, Estudios Capstone

Distribuidor(es)

leonsgate

COLLIDER: Recientemente hiciste tu debut como director y tenía curiosidad por saber si eso cambió tu enfoque hacia este tipo de películas o te dio una perspectiva diferente, sabiendo lo que es estar al otro lado de la cámara.

JESSE EISENBERG: Oh, gracias. Sí, es una pregunta muy generosa y definitivamente cambió mi punto de vista sobre lo que hacen los actores en el set y lo que preocupa a los directores en el set. Yo diría que siempre me he equivocado en eso. Lo que pensaba que hacían los actores en el set era menos valioso y lo que pensaba que hacían los directores en el set era preocuparse por sus actores. Me di cuenta de que esas dos cosas estaban mal. Lo que hacen los actores en el set es muy valioso. Eso solo lo aprendí al ver el otro lado, al ver a los dos actores que estaban en mi película. [When You Finish Saving the World], Julianne Moore y Finn Wolfhard, derraman su corazón todos los días, llevan sus emociones a algo. Es lo que he estado haciendo en los sets como actor, pero nunca lo aprecié hasta que vi a alguien más hacerlo. Así que estar en el set de una película como Manódromo donde la atención se centraba tanto en mí y en mi actuación porque el papel es muy extremo y es una película de personajes tan central, aprendí a darme un respiro y pensar que, ‘Oh, sí, lo que estoy haciendo es , ya sabes, digamos que tal vez tenga algún valor en las artes de alguna manera importante. Así que no tengo que sentir que estoy haciendo algo vanidoso y egocéntrico. Luego también tengo este otro sentimiento que es como, ‘Oh, sí, podría sentirme totalmente cómodo usándome a mí mismo en todas las formas posibles porque eso es lo que hará que esto sea bueno’. Siempre lo he entendido intuitivamente, pero nunca me sentí totalmente cómodo con ello.

La otra cosa que aprendí es simplemente ver qué es lo que preocupa a los directores. Siempre asumí que los directores caminaban entre tomas y estaban enojados conmigo porque hice un mal trabajo porque me autocastigaba durante la toma o después de la toma. Yo decía: ‘Me perdí ese momento’ o ‘Dispara, quería hacer esto, no pude hacerlo o no estaba involucrado en el momento en esa toma en particular’. Supuse que todos los directores también lo sabían y caminaban furiosos, pero no fue así. También me di cuenta de eso porque Julianne Moore, que es como la mejor actriz del país, me decía: «Me perdí esa toma», mientras que yo pensaba que esto era lo mejor que había visto en mi vida. Entonces me di cuenta de que los directores no andan por ahí simplemente enojados conmigo. en una película como Manódromo donde la película está tan centrada en mi trabajo de actuación particular, me liberé de preocuparme por estar haciendo un mal trabajo.

Parece que fue muy liberador creativamente asumir algo como esto.

EISENBERG: Es exactamente eso. Saber cómo funciona el proceso siendo un outsider siempre resulta liberador. Y también aumentó la compasión por los actores que siempre, siempre, siempre he tenido. El mejor consejo que he recibido en el set de una película fue el del director Greg Mottola, que estaba dirigiendo Tierra de aventuras en el que estaba. Tuve un pequeño ataque de pánico durante una toma y me quedé paralizado. Le pregunté al director: ‘¿Podemos parar un momento?’ Lo llevé al lugar y le dije: ‘Creo que acabo de tener un ataque de pánico y arruiné la escena’. Él dijo: ‘Bueno, no arruinaste la escena y vi que estabas un poco incómodo, pero me sorprendería que no tuvieras un ataque de pánico en cada toma. Lo que estás haciendo es algo emocionalmente explícito. Te estás utilizando a ti mismo, tu cara está en la cámara. Él dice: «Me asustaría cada segundo como actor». Ese fue el mejor consejo que recibí porque me permitió quitarme la carga de preocuparme de arruinar algo que arruinaría la película.

Cuando se habla de esa intensidad de la experiencia, es difícil pensar en una película tan intensa como ésta en algunos momentos clave. En las escenas domésticas, en las escenas que compartes con Adrien Brody. ¿Estás más preparado para sumergirte en algo así debido a experiencias pasadas que has tenido o ¿Estaba esto en una bestia completamente nueva?

EISENBERG: Siempre prefiero cosas como esta. Simplemente no aparecen con tanta frecuencia como, ya sabes, más bien, cómo describirlo, roles casuales porque no se hacen tanto. Pero mi experiencia es en teatro como actor y escribo y actúo en obras para mí y los personajes están cerca de este nivel de dramatismo e intensidad. Simplemente nadie los ve porque son obras de teatro. Pero este es el tipo de papel que crearía para mí. Algo a ese nivel extremo. Así que, francamente, me siento muy cómodo, más cómodo en roles como este que en roles casuales. Cuando estoy en una especie de papel casual que parece ser yo mismo, a menudo me preocupa no ser auténtico porque eres muy consciente de ti mismo porque es muy similar a ti. Mientras que en este caso estás básicamente en el escenario de pesadilla de alguien y, en cierto modo, es un lugar más cómodo para estar porque no es que haya reglas muy estrictas que tengas que cumplir sobre cómo se comporta tu personaje porque nadie sabe cómo. tu personaje se comportaría.

Parece que hay una distancia que aprecias en los roles que asumes.

EISENBERG: Esa es una manera perfecta de decirlo. Debido a que él no es como yo y no reacciona como yo, podría ser completamente ingenioso con eso. Me resulta bastante asfixiante cuando interpretas a un personaje que es tan similar a ti como para profundizar realmente en tu imaginación creativa porque es similar a lo que haces todo el día solo. Entonces, con una película como esta, y he estado en algunas películas en las que obtuve esta especie de, digamos, margen de maniobra o libertad creativa, todos los días tengo este pensamiento en el set como, ‘Oh, este es el regalo’. ‘ Por eso tal vez haría una película comercial con la que no me sentía exactamente comprometido. Es por esta razón que puedo hacer esto, que es como estar en la mejor clase de actuación del mundo, pero también es una película que la gente verá. ¿Qué suerte tiene eso?

Suena, y es la frase cliché, de uno para ellos, uno para mí. Parece que este era el indicado para ti.

EISENBERG: Sí, exactamente. Y a veces el que es para ellos también lo es para ti. Como si yo también hubiera tenido experiencias increíblemente maravillosas en ese mundo. Pero a veces piensas: ‘Espera, ¿cuál es el objetivo final de algo en particular?’ Luego, cuando actúas en algo que parece totalmente real y auténtico y estás ejerciendo tu cerebro creativo, piensas: ‘Muy bien, esto es lo que supuse que haría todo el tiempo cuando estaba en la escuela de teatro’. Cuando estás en la escuela de teatro, haces obras griegas e interpretas a Stanley Kowalski a los 16 años. Luego sales de la escuela de actuación y estás audicionando para un comercial de chicles Trident en el que intentas mostrar que estás sonriendo a la cámara, pero sabes que tus dientes no serán lo suficientemente buenos para conseguir el papel. Entonces, esta suposición de lo que es actuar y la realidad de lo que es actuar normalmente nunca coinciden, excepto en momentos como este.

Tuve una visión de pesadilla de que esta película sería la reedición más aterradora posible de un comercial de chicle Trident.

EISENBERG: Sí, exactamente. Me pregunto si probablemente podrías quedarte con mucho, pero sería una de esas versiones bastardas de autor. Sería como un comentario sobre los peligros del chicle. [Laughs]

Quería preguntar específicamente sobre una escena y era la escena de la cinta en la que te envuelves la cara con la cinta. Tenía pensamientos de dónde recordaba cosas similares, pero me preguntaba cómo surgieron y cuál fue el punto de origen.

EISENBERG: Cuando leí el guión por primera vez, realmente me pareció alguien que había transcrito una pesadilla. Había todas estas cosas en el guión que, diría yo, lógicamente no eran totalmente explicables para mí, pero emocionalmente se sentían reales. Entonces, como un hombre que está luchando con su propia identidad, con su propia masculinidad, con su propio rostro, esto es algo con lo que probablemente todos luchamos hasta cierto punto, porque es parte de nuestro ego y vanidad. Pero se trata de alguien que lo está experimentando a un nivel increíblemente extremo y peligroso. Entonces la cosa con la cinta en la cara dice: ‘Oh, sí, por supuesto, esta persona haría eso’. Esta persona que se odia a sí misma, por supuesto, se pondría cinta adhesiva en toda la cara. No sólo porque está tratando de distorsionar lo que le molesta, que es su propia apariencia, sino que también es doloroso y es alguien que se está autolesionando. Entonces esto es exactamente emocionalmente realista para mí. Pero si trato de explicarle a un extraño por qué está haciendo esto en particular, uno lucha contra eso, lo cual es hermoso cuando puedes leer un guión que se siente emocionalmente honesto, incluso si de alguna manera es ocasionalmente ilógico.

Creo que la honestidad emocional es una especie de núcleo de esto que es muy, muy doloroso, pero hay algo de verdad en ello. Aunque tiene sus momentos surrealistas, tiene esa verdad. Me preguntaba: ¿descubriste verdades en el proceso de pasar por esto que tal vez no conocías al principio?

EISENBERG: Sí, esa es una muy buena pregunta. La respuesta es sí, pero nunca me lo habían preguntado antes y no se me ocurre una escena exacta.

Eso está bien.

EISENBERG: Pero es exactamente correcto. Esto sucede todo el tiempo, por cierto, con los actores a mitad de hacer una película y dices: ‘¡Oh, ahora finalmente lo entiendo!’ o a la mitad de una obra, te quedan seis meses de una carrera que dura un año y piensas: ‘Oh, ahora finalmente lo entiendo’. Ojalá pudiera volver a hacer esto seis meses». Es exactamente eso. Es porque cuando algo se escribe desde el inconsciente, a veces no es útil discutirlo con un lenguaje normal. Entonces, cuando estás experimentando físicamente la cosa, de repente eso tiene sentido. Hubo cosas en esta película en las que, de repente, el personaje camina fuera de su auto y va a golpearle la cabeza a alguien y dices: ‘Espera, ¿por qué salió del auto? ¿Por qué está apuntando a esa persona en particular o por qué está en el baño peleándose con esta persona inocente en particular? Cuando actúas en él, piensas: ‘¡Oh, claro, por supuesto!’ Debido a que acaba de experimentar esta severa represión de su propia ira en la escena X, entonces, por supuesto, la escena Y tendrá eso manifiesto en alguna forma bastarda de sentirse avergonzado de su novia que estaba embarazada y sintiéndose preocupado por tener un bebé y con ganas de atacar. Alguien en el baño de un centro comercial. Por supuesto que tiene sentido, porque esa vergüenza lleva a una expresión de violencia que puede ser la única…