Las 40 mejores películas antifascistas de todos los tiempos

Si Derek Vinyard, el furioso y violento neo-nazi representado por Edward Norton en el examen de Tony Kaye de la ideología supremacista blanca, existía hoy, sería un niño orgulloso recientemente perdonado por Trump por delitos del 6 de enero. En la película, es condenado por asesinato después de ejecutar brutalmente a un hombre negro que intenta robar su auto y se somete a una conversión poco probable gracias a un recluso negro santo, interpretado por Guy Torry a su vez, encantador, divertido y sabio. No es sutil, y los críticos han señalado la obsesión de la película con la violencia cinematográfica bellamente filmada, el mismo tipo de violencia que la historia supuestamente repudia. Pero en escenas que muestran a Derek y sus skinheads se unen, los perdedores solitarios e inseguros desesperados por pertenecer a algo más grande que ellos mismos, Historia estadounidense x se siente terriblemente presciente.

Jean-Pierre Melville, un antiguo luchador de resistencia, vuelve a escenificar la invasión alemana de París para el disparo de apertura de su obra maestra de 1969, mientras los soldados nazis de Jackboting marchan a través del arco de triunfo. Lo que sigue es quizás la mejor película jamás hecha sobre la sensación de la vida bajo el fascismo. Melville representa el coraje y el heroísmo de la resistencia francesa, muchos de los personajes de la película, adaptados de la novela de Joseph Kessel, se basaron en parte en combatientes reales, pero se niega a desinfectar sus tácticas, que se parecen a los gángsters en las películas posteriores de Melville. En una escena temprana, tres miembros de la resistencia estrangulan a un traidor con una toalla, un disparo atraería demasiada atención, y Melville extrae la escena, insoportablemente, mostrando los verdaderos costos del heroísmo y la guerra y cómo los que luchan a menudo un sistema monstruoso a menudo conviértete en monstruos mismos.

El autoritarismo no es solo aterrador. Es realmente, realmente aburrido. La versión psicodélica de Terry Gilliam Fever de 1984 sigue a Sam Lowry (Jonathan Pryce), un engranaje de nivel medio en la máquina aplastante espíritu (y a menudo hueso) de una burocracia totalitaria. En la superficie, una sátira de estalinismo de la era soviética, una nueva observación moderna revela un mundo aún relevante en el que la extralimitación tecnológica tiene consecuencias mortales: un error tipográfico resulta en que el hombre equivocado sea torturado y asesinado, y un medio de medios de comunicación. cualquier resistencia al régimen. Los terroristas, un experto en televisión bromea, «simplemente no puedo soportar ver a los otros hombres ganar». En Archibald «Harry» Tuttle de Robert de Niro, un ingeniero de calefacción independiente/luchador por la libertad, Gilliam nos dio un héroe antifascista para las edades.

Los paralelos entre el surgimiento del fascismo en la década de 1930, Berlín y las realidades en los Estados Unidos actuales pueden hacer Cabaret Un rewatch incómodo. El clásico musical ganador del Oscar de Bob Fosse, y su mensaje de cómo el cinismo, la ironía y la complacencia son facilitadores del racismo y el extremismo, todavía es asombrosamente relevante. «¿Todavía crees que puedes controlarlos?» El erudito británico Brian Roberts (Michael York) le pregunta al altivo aristócrata barón von Heune (Helmut Griem), quien, que suena como un republicano presumido de la Cámara de Representantes, alrededor de 2016, desestimó a los nazis como una «pandilla de estúpidos hooligans». Como la intérprete de Kit Kat Sally Bowles, la nunca mejor Liza Minnelli proporciona una clase magistral de disociación y autoengaño, jugueteado (o cantando y bailando) mientras Roma arde. “La elección democrática de una figura autoritaria, la normalización de la intolerancia, la complicidad de las masas asustadas. … De hecho, hemos visto este programa antes «, escribió Joel Gray, quien interpreta al cínico cínico Cabaret, escribió recientemente en El New York Times. «La historia nos está dando otra oportunidad para enfrentar las fuerzas que Cabaret nos advirtió. La pregunta es: ¿Escucharemos esta vez, o seguiremos riendo hasta que la música se detenga?

El clásico romántico de Michael Curtiz fue diseñado explícitamente como propaganda antifascista. Ambientada en 1941, cuando Estados Unidos todavía era neutral en la Segunda Guerra Mundial, pero lanzado en noviembre de 1942, cuando las tropas estadounidenses se unieron a las fuerzas aliadas en la liberación del norte de África, Casablanca es una historia de conversión, la historia de la transformación de Rick Blaine (Humphrey Bogart en su forma más emblemática), desde el aislacionista autoproclamado hasta el luchador de resistencia devoto. Bogie es un sustituto de la visión de Estados Unidos de sí mismo como el Salvador reacio. Rick preferiría permanecer fuera del desastre en Europa: «Me quedo con el cuello por nadie», pero su decencia básica lo obliga a tomar una decisión moral. Cuando el destino de la humanidad cuelga en el equilibrio, el deseo individual, en la forma de su amor por ILSA (Ingrid Bergman, Luminoso), «no equivalgas a una colina de frijoles en este mundo loco».

La única película Musk, o cualquiera que piense que los juegos de palabras de Hitler o los saludos nazis son divertidos, necesita ver. Olvídate de las representaciones de fascismo de Campy and Pop-Culture, olvida todas las alegorías sutiles. La representación del director de la era soviética Elem Klimov de las atrocidades nazis en Bielorrusia es directa e intransigente, no ofrece alivio ni un respiro. Sigue a un joven adolescente bielorruso que se une a los partisanos que sueñan con el heroísmo y la aventura, pero solo encuentra devastación y horror. Parcialmente basado en testimonios de sobrevivientes de testigos oculares, la película de Klimov se muestra a través de la perspectiva traumatizada del joven protagonista. Es casi insoportable. Pero ninguna otra película revela tan completamente la quiebra moral de la expansión fascista.

Tan sorprendente y original ahora, como el día en que se lanzó, Spielberg, Coppola y Scorsese lo citan como una gran influencia: la obra maestra visualmente deslumbrante y psicológicamente inquietante de Bernardo Bertolucci sigue siendo la acusación cinematográfica más poderosa de ir junto con la multitud. Marcello Clerici (Jean-Louis Trintignant) se une a los fascistas de Mussolini únicamente por temor a estar separados. En el transcurso de un viaje en automóvil, está en camino de asesinar a su antiguo mentor, un profesor universitario antifascista, saltamos de regreso en la vida de Clerici hasta este punto, la narración no lineal de Bertolucci que refleja la psique fracturada de Marcello, mientras lidia con culpa, represión y rabia.

El impacto cotidiano del fascismo fue un tema que Rainer Werner Fassbinder regresó una y otra vez en su vasto cuerpo de trabajo, del cantante en Lili Marleen atrapado entre su amante judío y su carrera respaldada por nazis, el criminal en Berlín Alexanderplatz quien intenta ir directamente a la sociedad girando hacia el mal, o las mujeres en El matrimonio de Maria Braun Profitionando del milagro económico de la posguerra de Alemania, pero no puede sacudir los fantasmas del pasado. Casi olvidado es la primera gran producción en inglés de Fassbinder, una adaptación de una novela de Vladimir Nabokov de un guión de Tom Stoppard, protagonizada por Dirk Bogarde como un emigrado ruso judío en la Alemania de la década de 1930. El surgimiento de los nazis desencadena un colapso mental y se le ocurre el extraño plan para recolectar un seguro de vida matando a un extraño a quien él (erróneamente) cree que es su doble exacto. Un giro macabro en el cine negro, es un argumento poderoso que la locura puede ser la única respuesta saludable a un mundo que se ha vuelto loco.

Apareció en la escena en 2009 con el respaldo de Peter Jackson, el éxito de taquilla de Neill Blomkamp mezcló hábilmente la función de criatura de ciencia ficción con la sátira simulada para voltear el guión en la clásica película de invasión alienígena. Utilizando no humanos para resaltar la deshumanización que subyace en todas las formas de apartheid, el cineasta sudafricano no pregunta qué los extraterrestres podrían hacernos, sino qué horrores que les infligíamos si sufrieran la desgracia de alighting sobre nuestro planeta tribalista y manchado de sangre. . La película recurre a una operación militar para reubicar el campo de refugiados de los extraterrestres, que los humanos ven solo como un desactivado y repugnante desagüe de los recursos, una referencia a la eliminación forzada de Sudáfrica de los residentes no blancos del Distrito Six de Capetown durante el apartheid era, pero un arco de la historia que es igual de aplicable a la difícil situación de los inmigrantes y las personas desplazadas en nuestro presente inhumano.

Augusto Pinochet, quien gobernó sobre Chile con violaciones de los derechos humanos indescriptibles de 1973 a 1990, fue una presencia inquietante fuera de la pantalla en gran parte de la exitosa filmografía temprana de Pablo Larraín (Tony Manero, post mortem, no). Pero con la función 2023 El Conde, El autor chileno finalmente colocó al dictador delantero y centro. En que Thr’s El crítico principal descrito como un «salto salvaje hacia la originalidad irreverente», Larraín reinventó al tirano como un vampiro de 250 años que fingió su propia muerte y continúa acechando a la humanidad y su historia. Ven por el Dr. Strangelove-Lavel sátira política y estancia para el legendario director de fotografía Ed Lachman, la deslumbrante fabricación de imágenes en blanco y negro. Sobre la cuestión de la resonancia transfronteriza y si los Estados Unidos podrían estar forjando su propio déspota de color naranja y de color naranja, dijo Larraín anteriormente Thrcon una risa: «Bueno, si Trump es un vampiro, la buena noticia para mí es que él es tu vampiro, no mío. Ya estamos lidiando con el nuestro «.

Todo está allí en el ingenioso tema de John Williams para Darth Vader, «La Marcha Imperial». Aquí se esfuerza por el arquetipo fascista por excelencia: una figura de oscuridad mecanizada enmascarada cuya existencia simboliza la naturaleza deshumanizante del poder autoritario; Su relación con su hijo, Luke, aún más lucha metafórica entre el control sistémico y la agencia personal. Claro, el original de George Lucas Star Wars presenta la alianza rebelde de trapo y los héroes individualistas que liderarán la lucha contra la dominación intergaláctica, pero El imperio huele …