Provocaciones con estilo (y compartibles) de Anne Imhof

PARÍS – La artista alemana Anne Imhof se encontraba en el Palais de Tokio un viernes por la mañana reciente, observando a un grupo de bailarines y modelos elegantemente vestidos que se arrastraban por el suelo. Era el tramo final de los ensayos de una serie de actuaciones que ella había ideado, que comenzarían el 14 de octubre. Los ocho jóvenes estaban calculando la velocidad adecuada para cruzar uno de los espacios de exhibición expansivos del museo de París.

Imhof, de 43 años, se elevó por encima de los artistas que se arrastraban con botas de vaquero y pantalones de jogging. “Vayan despacio, muy despacio”, les dijo. Cuando llegaron al otro lado, 10 minutos después, se volvieron de espaldas y miraron a los espectadores imaginados, con expresiones de estudiado aburrimiento.

“Muy bien”, dijo Imhof, luciendo complacido.

Los ensayos fueron la preparación para el acto final de “Natures Mortes” (“Still Lives”), una exposición multidisciplinar de Imhof que ocupa la totalidad del Palais de Tokyo desde mayo.

Como otros espectáculos de Imhof, “Natures Mortes” incluye esculturas, pinturas y otras obras que se pueden visitar independientemente de las representaciones. Esas presentaciones en vivo, que se extenderán hasta el 24 de octubre, consistirán en gran parte en cuadros formados, interrumpidos y luego reformados por sus bailarines, en una producción que canaliza la estética de la cultura juvenil underground: ropa de moda, música industrial, cuerpos andróginos.

“Esta pieza trata sobre la muerte, la elección y el dolor”, dijo Imhof en una entrevista antes del ensayo, “pero es algo lo suficientemente abierto como para que la gente pueda tener sus propios sentimientos al respecto”.

“Con la actuación en vivo, con personas y cuerpos, trato de encontrar un lenguaje abstracto que funcione como la poesía”, agregó.

Los espectadores pueden moverse libremente durante las actuaciones de Imhof, lo que a veces las convierte en una parte tan importante de la experiencia como del trabajo en sí. Debido a que las piezas a menudo involucran múltiples secuencias que ocurren simultáneamente, los espectadores, inevitablemente empuñando teléfonos inteligentes, deben tomar decisiones sobre cómo comportarse y dónde moverse.

Gran parte de su trabajo, dijo Imhof, trataba de “la idea del individuo único, que puede hacer todas estas conexiones a través de la digitalización, pero que se controla mediante un seguimiento, y que siempre será visto dondequiera que esté”.

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“El público hace que la pieza sea lo que es”, dijo.

Para muchos de los fanáticos de Internet de la artista, las imágenes llamativas y elegantes que crea en sus actuaciones son un atractivo forraje para las redes sociales. Billy Bultheel, un compositor que contribuyó a la partitura de varias piezas de Imhof y actuó en ellas, dijo que los miembros de la audiencia a veces se empujaban entre sí y los artistas intérpretes o ejecutantes para capturar el evento en sus teléfonos. “Su codicia por el consumo está a la vista”, agregó.

Imhof, cuya conversación es más cálida y divertida de lo que podrían sugerir sus obras austeras, se convirtió por primera vez en una estrella mundial del arte después de ganar el León de Oro de 2017, el primer premio en la Bienal de Venecia, por “Fausto”, la entrada alemana en el reconocido evento artístico. . Para esa pieza, hizo un corte transversal del pabellón, que data de la era nazi, con mamparas de vidrio, y rodeó el edificio con vallas altas y perros guardianes.

Durante las presentaciones de “Faust”, grupos de bailarines se arrastraron bajo un piso de vidrio, encendieron fogatas, enviaron mensajes de texto en sus teléfonos y se golpearon la cabeza a cámara lenta.

Escribiendo en Artnet, Lorena Muñoz-Alonso describió la pieza como un “desfile del infierno” que “habla del poder, de quién lo tiene y quién busca reclamarlo”. En Artforum, David Velasco lo llamó “una obra de genialidad supremamente titulada”. Desde entonces, Imhof ha tenido exposiciones de alto perfil en la Tate Modern de Londres, la Galería Nacional de Dinamarca en Copenhague y el Instituto de Arte de Chicago.

Carolyn Christov-Bakargiev, directora del Castello di Rivoli, en Turín, Italia, que actualmente exhibe “Sex”, otra exposición de Imhof, dijo: “En mi opinión, Anne es la artista que más trabaja sobre cómo nos relacionamos con unos a otros a través de la separación y la conexión en la era digital “.

Señaló que el trabajo de Imhof encarnaba un cambio en la interacción humana causado por los teléfonos inteligentes. “Sus actuaciones representan un mundo en el que la gente se comporta como si estuvieran en manada”, dijo. “Enviándonos mensajes, buscándonos y tratando de tener experiencias reales”.

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Christov-Bakargiev agregó que había surgido un “culto” en torno al arte de Imhof, especialmente entre los jóvenes con conciencia digital. “No soy psicoanalista, pero creo que su arte les hace sentir que pertenecen y les hace comprender el dolor del mundo”, dijo.

Imhof, que ahora tiene su sede en Berlín, creció en un suburbio de Fulda, una ciudad mediana en el centro de Alemania con una catedral ornamentada. Sus padres, un ortodoncista y un maestro, eran parte de la generación “1968” en Alemania, que siguió la política de izquierda en reacción a la participación de sus padres en el Tercer Reich.

“Era una casa antifascista”, recuerda Imhof. Sin embargo, al crecer “como una niña queer”, dijo que a menudo se sentía alienada de su entorno suburbano, y negoció un escape a un internado británico, donde aprendió a dibujar por primera vez. (Posteriormente fue expulsada, tras ser acusada de fumar).

Después de quedar embarazada a los 20 años, se mudó a una comuna de izquierda en las afueras de Frankfurt, donde crió a su hija y comenzó a escribir poesía y hacer música. Finalmente fue aceptada en la Städelschule, la famosa escuela de arte de la ciudad, a la que asistió mientras trabajaba en la puerta de Robert Johnson, un club de techno.

Dijo que la experiencia “artificial” de decidir quién podía y quién no podía entrar al club le había ayudado a dar forma a su conocimiento de los marcadores que determinan el acceso a los espacios y recursos. “Creo que ese es uno de los mayores problemas de nuestro tiempo”, dijo, y agregó que, en respuesta, trató de hacer que sus obras “resalten”, para que resuenen en la mayor cantidad de personas posible.

La exposición de Imhof en el Palais de Tokyo es su proyecto más extenso hasta el momento. Desde la primavera, los visitantes han podido ver las esculturas, pinturas e instalaciones que ella creó para el espacio cavernoso. Estos incluyen un laberinto hecho de vidrio pintado con graffiti recuperado de un edificio de oficinas italiano demolido y pinturas a gran escala que evocan puestas de sol, paisajes oscurecidos y explosiones nucleares. También incluye obras seleccionadas por Imhof, pero realizadas por otros artistas, incluidos Sigmar Polke, Wolfgang Tillmans y Mike Kelley, e instalaciones de sonido que creó con Eliza Douglas, su pareja creativa y romántica a largo plazo.

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Douglas, quien eligió y diseñó a los artistas y compuso la música para el espectáculo de París, ha estado apareciendo en las piezas de Imhof desde que la pareja se conoció en 2015. Un estadounidense de 6 pies 1 que también modela para Balenciaga, Douglas explicó que Imhof’s live el trabajo a menudo se basaba en una estructura flexible que permitía la improvisación. “Ella ha inventado su propio género dentro del arte”, dijo Douglas, y agregó que los artistas a menudo se alimentaban de la atención ambulante de los visitantes, incluso si los asistentes ocasionalmente sobrepasaban sus límites.

Douglas dijo que los bailarines confiscaron los teléfonos inteligentes de los miembros de la audiencia después de que se los metieron en la cara y que ella tuvo que “revisar el cuerpo” de los espectadores que invadieron su espacio. Bultheel, el compositor, dijo que durante una actuación en Venecia, un extraño se acercó detrás de él y comenzó a pasar sus dedos por su cabello. “Eso fue muy incómodo”, recordó.

Las reacciones de los visitantes en las actuaciones de París, dijo Imhof, serán imposibles de predecir. El espectáculo, dijo, fue influenciado en parte por los escritos de Antonin Artaud, el escritor francés que creó el “teatro de la crueldad”, en el que los artistas asaltan los sentidos del público. Otro escritor francés, Georges Bataille y Franz Kafka también fueron influencias, dijo.

Sentada en el espacio de ensayo y mirando un plano de planta, dijo que la actuación incluiría motos de cross, un halcón vivo y un coyote de peluche. Pero todavía estaba luchando con la logística de una secuencia en la que los artistas se lavaban en pequeñas piscinas, un ritual de limpieza que, según ella, estaba inspirado en parte por la pandemia de coronavirus.

“El problema con las personas mojadas es que están mojadas”, dijo, y agregó que le preocupaba dañar las obras de arte cercanas o que la audiencia pudiera resbalar y caer. A pesar de todas sus provocaciones, no quería que nadie saliera lastimado.