Sam Mendes proporciona carnada para los Oscar en el festival de cine de Toronto con Empire of Light

La avalancha de proyecciones continuó en la segunda semana del Festival Internacional de Cine de Toronto, encabezada por Empire of Light de Sam Mendes, un gigante potencial muy esperado de la temporada de premios. La primera epopeya de la guerra mundial del director, 1917, se vio ensombrecida en los Premios de la Academia 2020 por las históricas victorias de Parasite, y es tentador tomar la nueva película de Mendes como un intento concertado de ganarse al público y a los votantes. Tentador, porque parece absolutamente ser el caso.

Empire of Light está ambientado en un palacio de cine junto a la costa inglesa, filmado en tonos cálidos como una iglesia secular hogareña por el maestro de fotografía Roger Deakins. Es el año 1981 (a juzgar por una destacada proyección de Chariots of Fire) y Olivia Colman interpreta a Hilary, una gerente depresiva en el cine. Su jefe (Colin Firth) la llama a su oficina para pedirle favores sexuales, lo que ella parece agradecer como un cambio de ritmo de su existencia adormecida por el litio. Aunque tiene un círculo afable de colegas, es un recién llegado apuesto, Stephen (Micheal Ward), quien la saca de su caparazón en un ala abandonada del cine, donde atiende a una paloma herida.

Stephen se convierte en un recipiente para el rejuvenecimiento de Hilary, en parte a través del beso ocasional. El guión metódico de Mendes nunca explica del todo por qué ella tiene tanta atracción por él, y su desinterés anodino comienza a parecer conveniente. Es doblemente desafortunado porque Stephen es negro y, a medida que el racismo de principios de la década de 1980 en Gran Bretaña asoma la cabeza, la historia se siente manipuladora al establecer escenarios violentos que se ven principalmente en términos de su impacto en Hilary, no en Stephen.

Sin embargo, Empire of Light navega inconscientemente, amortiguado por su partitura de piano ingeniosamente amortiguada. Las ideas preconcebidas de la película como una carta de amor al cine parecen fuera de lugar, más una forma de suavizar el contenido real de la película, que incluye los feroces episodios esquizofrénicos de Hilary y las actividades de una mafia racista. La película tiene un genial sentido del humor, y hay lindos momentos entre el círculo de colegas de Hilary (con Toby Jones como un quisquilloso proyeccionista). Pero es difícil aceptar su visión catártica de un cine unificador en una película con un enfoque dudoso de sus protagonistas.

‘Wendell & Wild’ de Henry Selick sigue a la adolescente huérfana Kat © Netflix

Quizás fue la seriedad de varias películas con mensajes de Toronto, pero Wendell & Wild llegó con un bienvenido respiro. Los bulliciosos equipos de animación de Henry Selick, director de Pesadilla antes de Navidad y Coraline, y Keegan-Michael Key y Jordan Peele reunidos. Sigue a una adolescente huérfana, Kat (Lyric Ross), mientras se enfurruña en un internado, mientras dos demonios viajan a nuestro mundo desde el infierno para probar una técnica de resurrección que involucra crema para el cabello.

El más allá como escenario no es poco común en el ámbito de la animación infantil, pero no todas las películas están protagonizadas por Key y Peele como subordinados del inframundo cuyo trabajo es avivar los folículos pilosos de un demonio mayor. Toques excéntricos como ese, o el hecho de que un personaje que luego ayuda a Kat se parece inexplicablemente a un Marlon Brando con cuello de tortuga alrededor de la década de 1970, le dan a la película cierta chispa. Pero lo que hace que se dispare es el vibrante diseño visual de Selick, incluso cuando la trama se asienta en un ritmo convencional (frustrando un esquema de gentrificación por parte de desarrolladores malvados). Los colores, patrones y diseños de personajes recompensan el escrutinio de una secuencia a la siguiente.

Fotograma en blanco y negro de dos mujeres sentadas juntas, sonriendo
Tranquilamente radical: ‘Walk Up’ de Hong Sang-soo

La selección internacional puede ser abrumadoramente amplia en Toronto, pero vale la pena destacar un estreno mundial del preeminente autor independiente de Corea, Hong Sang-soo. Continúa haciendo dos películas casi todos los años, cada una con un escenario ordinario y, sin embargo, experimental de alguna manera. Walk Up, como muchas de sus otras películas, comienza con una configuración seductoramente simple, como si nos hubiéramos tropezado con una conversación a mitad de camino sin saber su propósito. Esta vez, un cineasta en decadencia, Byung-soo (Kwon Haehyo), lleva a su hija a la casa de un viejo amigo para un aprendizaje de diseño. Parece haber un destello de un viejo amor entre Byung-soo y su amigo, que tiene opiniones poco ortodoxas sobre ser propietario.

La configuración se desplaza en direcciones imprevistas a medida que Hong adelanta el reloj, al principio un poco, luego mucho. Sin embargo, el lugar se mantiene constante, por lo que seguimos efectivamente a Byung-soo a medida que su vida se entrelaza con el edificio. Cambia entre ser controlador y apático, una combinación de estados de ánimo que parece apropiado para un director subempleado, y, como en una película en stop-motion de una planta en crecimiento, lo vemos a él y a sus relaciones evolucionar. Todo lo cual es silenciosamente radical pero llevado por Hong de una manera seguramente casual.

Un grupo de manifestantes con máscaras médicas y sosteniendo banderas y un cartel que dice 'Chile Desperto'
Patricio Guzmán entrevista a manifestantes chilenos en ‘Mi País Imaginario’

Otra película que utiliza el cine para atravesar el tiempo de manera convincente es Mi país imaginario, el último documental del historiador del cine chileno Patricio Guzmán. El cineasta ensayista agrega un nuevo capítulo a su crónica de toda la vida sobre la evolución de Chile desde Allende hasta Pinochet y más allá: las históricas manifestaciones masivas que llevaron a la creación de una nueva constitución (aunque fue rechazada en un reciente referéndum). Guzmán, cuya Batalla de Chile diseccionó el derrocamiento de Chile socialista a principios de la década de 1970, entrevista a los diversos manifestantes que organizaron y presionaron por el cambio de un gobierno esclerótico. Reflexivo pero no autoritario, Guzmán se quita del camino de sus súbditos, cede el protagonismo a las nuevas generaciones y se maravilla de sus buenas obras.

Finalmente, sería una pena no reconocer un par de curiosidades en el festival. Carmen, dirigida por el coreógrafo Benjamin Millepied, puede que no sea exactamente una adaptación de, bueno, Carmen, pero es un espectáculo grandioso que se siente basado en el movimiento incluso cuando nadie está bailando. Y Self-Portrait As a Coffee Pot muestra al ilustrador y artista William Kentridge jugando en su estudio, encontrando cien formas diferentes de pensar en voz alta (incluso hablando con su propio doble). Es un recordatorio adecuado de que Toronto ha vuelto a la normalidad en el suministro al mundo de una estimulante variedad de películas.

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