Volviendo a enamorarse de Cannes

CANNES, Francia – “¿Podemos empezar ahora?”

Sospecho que en el mismo momento en que el comité de programación del Festival de Cine de Cannes de 2021 escuchó la primera canción de “Annette” de Leos Carax, una obertura enérgica y contagiosa que rompe la cuarta pared que alcanza alturas gonzo que la película nunca vuelve a alcanzar realmente, su destino es la apertura. -Se fijó la película nocturna. “Entonces, ¿podemos empezar?” Adam Driver y Marion Cotillard cantan. “¿Podemos empezar ahora?” el conjunto responde de manera puntiaguda, anunciando la intención, en lugar de buscar el permiso, de que comience la película, el festival (que canceló su edición de 2020) y la vida como la conocen los asistentes habituales de Cannes. Lector, empezó.

Escrita por Carax y el dúo de art-pop Sparks, “Annette” es una rareza que tuvo una recepción muy dividida, pero nadie se quedó indiferente ante ese primer número. Después de la agotada conclusión de Cannes el sábado, su excitante comienzo se siente hace mucho tiempo, pero no podría haber habido un momento más esperanzador, ni más unificador que ese himno de impaciencia, tocado en ese contexto. Los únicos disidentes posibles podrían haber sido el equipo que presentó “The French Dispatch” de Wes Anderson, que había recibido muchas propinas para el codiciado espacio, pero que terminó estrenándose más tarde en la semana, con una recepción inusualmente genial (a pesar de la gran alegría que sentí al verlo). ). Es de suponer que eso le enseñará a Anderson a incluir un “¡Pongamos este programa en marcha!” o un “¡Aquí vamos, todos!” canción al comienzo de todas las películas futuras.

“¿Podemos empezar ahora?” estuvo lejos de ser el único gusano que se metió en el subconsciente colectivo de los asistentes durante estos días calurosos, molestos y felices. Dado que todos los festivales son caleidoscopios de estados de ánimo, géneros y ritmos, Cannes 2021, después de tanto silencio, fue al menos en parte un musical.

Dejé la Croisette tarareando “Be My Baby” de Vanessa Paradis durante días después de escuchar que usaba, con un efecto tan irregular e incongruente, en la brillante y excoriante “Ahed’s Knee” de Nadav Lapid. Salí de “The Souvenir Part II” de Joanna Hogg, sin lugar a dudas la mejor película del festival que no está en el festival, ya que forma parte de la Quincena de Directores por separado, al ritmo de “There Must Be An Angel” de Eurythmics. que se utiliza para un efecto tan trascendente. Irrité a mis compañeros de piso con interpretaciones en la ducha del megahit europeo de Desireless de los años 80 “Voyage Voyage”, después de quedar completamente encantada con el romance de extraños en un tren de Juho Kuosmanen, “Compartment No. 6”. Solo fue desplazado, para mi disgusto y sin duda el de aquellos que estaban al alcance del oído, por el heroicamente vacío “Bye Bye Bye” de ‘N Sync, un tema recurrente en el fabuloso y engañosamente relajado “Red Rocket” de Sean Baker.

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Como no tenía ningún amor por la opereta cómica, les ahorré a todos mi versión del canto de Gilbert y Sullivan que ocurre en la extremadamente tensa e inquietante historia real de Justin Kurzel, “Nitram”. Tampoco traté de emular a las estrellas del rap marroquí en ciernes del musical de hip-hop “Casablanca Beats”, desordenado, no lo suficientemente apretado y descarnado de Nabil Ayouch, para alivio del género del rap.

Pero Cannes no fue todo canto y baile; también hizo una bonita línea de horror corporal. Y un cuerpo de prensa que se mantuvo constantemente al tanto de los dictados de la biología debido a todo el babeo en pequeños tubos y todos los frotis nasales que nos hicieron cosquillas en el cerebro que soportamos durante nuestras pruebas obligatorias de coronavirus de 48 horas, estaba idealmente preparado para responder a este más terrenal, más espeluznante, elemento más atrevido. Obviamente, lo hicimos con la muy admirada y febrilmente trastornada “gripe de Petrov” de Kirill Serebrennikov, un viaje mental tremendamente imaginativo que juega como un “Ulises” postsoviético representado en imágenes tan lívidas con el contagio viral que verlo es desear tener varios más máscaras puestas.

En una nota menos desconcertante, mucho más lasciva, el drama de monjas de Paul Verhoeven guiñando un ojo de mala calidad y espeluznante “Benedetta”, en el que Virginie Efira interpreta a la monja italiana del siglo XVII que fue objeto del único juicio de la Iglesia Católica Romana por lesbianismo, debidamente presenta algunas mortificaciones de la carne, entre muchas más escenas de su gratificación.

Pero aparte del inolvidable uso lascivo que el amante de Benedetta encuentra para una pequeña estatua de la Virgen María del tamaño de un consolador), el momento de esta película que más me llamó la atención fue una línea relativamente recatada. “Tu peor enemigo es tu cuerpo”, le dicen a Benedetta cuando llega al convento cuando era niña y debe cambiar sus finas sedas por un camisón áspero. “Es mejor no sentirse demasiado en casa”. Esa terrible advertencia me recordó las sublimes “Oraciones por los robados” de Tatiana Huezo, en la que las madres de una aldea mexicana controlada por un cártel hacen que sus hijas adolescentes parezcan juveniles, a través de cortes de pelo cortos y ropa de gran tamaño, en un esfuerzo por mantenerlas a salvo del peligro. espectro omnipresente del secuestro y la violación.

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Pero las palabras de la monja también hablaban de una habilidad básica que muchos de nosotros en Cannes teníamos que volver a aprender de repente: la de estar afuera, en un cuerpo, en el mundo entre todos sus peligros. Escuché de cuatro incidentes separados en los que los cuerpos, que no estaban acostumbrados a las demandas físicas de ir a festivales después de casi 18 meses de caminar solo entre el sofá y el refrigerador, traicionaron a sus dueños. Se rompió un dedo del pie, una rótula perdió su amarre, se cayó un arco y se torció un tobillo; esto último lo sé porque el tobillo era mío. El día antes de que comenzara el festival, caminando alegremente con la nariz en mi teléfono, sin notar una división en la acera notoriamente desigual de Cannes, caí tan plano como lo haría el “Día de la Bandera” de Sean Penn unos días después.

Entonces, mientras muchos de nosotros luchábamos con nuestros propios horrores corporales, “Benedetta”, el tipo de película en la que un personaje al azar saca un pecho pesado de su corpiño y arroja leche desdeñosamente a los ojos de Charlotte Rampling, también introdujo el subgénero de nacimiento. horror. El ejemplar más sorprendente de Cannes fue un documental: “Cow” de Andrea Arnold, que con estricto rigor formal, se centra en Luma, un guapo Holstein Friesian mantenido permanentemente embarazada, y por lo tanto lactando, en una granja lechera británica. Pero como tema, esta vena de horror también recorrió la elegante e ingeniosa fábula islandesa “Lamb”, de Valdimar Johannsson, en la que una pareja taciturna en una granja remota cría la sorprendentemente linda descendencia híbrida de una oveja y una entidad mítica malévola. Y el subgénero finalmente encontró su apoteosis, aunque aquí es el aceite de motor el que se extrae del pecho, no la leche, en el asombrosamente audaz e hiperstyled “Titane” de Julia Ducournau, que ganó la Palma de Oro, con mucho la elección más impresionante y atrevida. por ese primer premio en la memoria reciente.

A veces, Cannes era un automóvil veloz del que podíamos asomar la cabeza y gritar de júbilo como el niño irreprimible de “Hit the Road”, el delicioso debut que presenta al director Panah Panahi, hijo del venerado autor iraní Jafar Panahi. A veces era una road movie de un orden diferente, como el drama exquisitamente observado de Ryusuke Hamaguchi de conexión gentilmente trascendental, “Drive My Car”, una película que toma tres horas y ni un minuto de más, para desentrañar una relación basada en confidencias con vacilación. intercambiado durante un viaje diario.

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Brevemente, en la época de la final del Campeonato de Europa, especialmente entre los asistentes ingleses e italianos, Cannes se convirtió en un documental deportivo.

Pero sobre todo, como la radiante y amada “La peor persona del mundo” de Joachim Trier, Cannes 2021 fue, para mí, un romance encantador e imperfecto. Hay un momento en la película cuando Julie (merecedora de la ganadora de la mejor actriz en Cannes Renate Reinsve), habiendo decidido no engañar a su novio pero profundamente atraída por un extraño que acaba de conocer en una fiesta, juega un juego de “todo menos” con él. Cuentan sus secretos más profundos. Se miran orinar el uno al otro. Y en el jardín al amanecer comparten un cigarrillo, el uno echa humo en la boca del otro a cámara lenta, dando al festival su escena más sexy y un suspiro de nostalgia por una época en la que tal acto no habría venido teñido de transgresión. , cuando ninguno de los participantes habría estado pensando en las palabras “transmisión aérea”.

Cannes en la época de la corona es también Cannes antes de la corona y Cannes después de la corona, porque se trata del cine, que sigue siendo el medio que amo por su capacidad para impulsarme a pasados ​​recreados y lanzarme a futuros imaginados. Y a veces, para envolverme en el momento exacto, dejándome respirar una imagen como el humo y dejándome sentir que vuelve a respirar.

Esto fue, durante tanto tiempo, un evento que nadie se atrevió a creer que sucedería, y ahora se acabó. Durante 12 días, hicimos una pausa en nuestras vidas y descubrimos, para nuestra sorpresa, que a pesar de los tobillos torcidos, las conversaciones en persona que no tenían botones de silencio y un nivel de incertidumbre de momento a momento que simplemente puede convertirse en una característica continua de la vida. , algo del viejo ritmo permanece, algo del viejo placer espera redescubrimiento.

¿Podemos empezar ahora? Creo, espero, que podamos.