En su última película, Joachim Trier está abandonando su estilo característico de ironía y surrealismo para explorar temas íntimos y tiernos en Valor sentimental (2025). El director danés-noruego se sumerge en un drama familiar centrado en el padre Gustav Borg (Stellan Skarsgard) y sus dos hijas adultas, Nora (interpretada por Renate Reinsve) y Agnes (la recién llegada Inga Ibsdotter Lilleaas).
En esta ocasión, Trier opta por una narrativa más directa y sin los habituales elementos surrealistas que han caracterizado su filmografía hasta ahora. La historia se desarrolla en torno a la casa familiar de los Borg en Oslo, un lugar lleno de memoria y trauma que sirve como telón de fondo para explorar el poder del arte como herramienta de reconciliación.
La trama gira en torno al regreso de Gustav Borg tras la muerte de la madre de Nora y Agnes. Con el deseo de realizar su gran regreso cinematográfico, Gustav escribe una nueva película inspirada en la trágica historia de su madre y busca la participación de Nora como protagonista. Ante la negativa de su hija, opta por la estrella estadounidense Rachel Kemp (interpretada por Elle Fanning) y trata de hacerla imitar a Nora en su actuación, desencadenando una serie de conflictos y tensiones familiares.
La película se estrenó en Cannes, donde obtuvo el Gran Premio subcampeón, y se proyecta actualmente en el Festival Internacional de Cine de Toronto. Trier ha sido seleccionado como el candidato de Noruega en la categoría de Mejor Película Internacional en los premios.
En una entrevista con Noticias, Trier reflexiona sobre los recuerdos de la infancia, el trauma generacional y el impacto de convertirse en padre en las historias que quiere contar. La casa familiar juega un papel central en la película, sirviendo como un testigo silencioso de las experiencias y memorias que han marcado a la familia Borg a lo largo de generaciones.
Valor sentimental es una exploración íntima y conmovedora del poder del arte para sanar heridas y trascender los límites entre la ficción y la realidad. Joachim Trier se sumerge en un territorio emocionalmente profundo y personal, alejándose de su estilo habitual para ofrecer una mirada directa y honesta sobre las complejidades de las relaciones familiares y la búsqueda de redención a través del cine.
Cortesía de Kasper Tuxen/Mubi
Esta película es increíblemente directa, abierta y honesta.
No hay trucos de ironía o cinemática como los que vimos en «La peor persona del mundo» con escenas de tiempo o secuencias de viaje psicodélicas.
Intenté ser claro y atrevido. Filmamos en 35 mm, y los colores, metafóricamente hablando, son más vibrantes, claros y equilibrados. Equilibrar los colores a este nivel es arriesgado y difícil, pero queríamos reflejar las emociones de esa manera.
Sabía que tenía excelentes actores, lo cual me hizo sentir privilegiado. El desafío de la película para mí fue lograr que la claridad y la honestidad surgieran, a pesar de abordar temas como la evitación, la incapacidad de comunicarnos en la familia y los roles inconscientes que adoptamos. Gran parte de la película trata sobre cosas que no están claras, así que el desafío era contar esa historia de manera directa.
Crecí en los años 90 y vengo de una época de ironía. Me gusta la elegancia y quiero que mis películas sean geniales, elegantes y divertidas. Sin embargo, con esta película, necesitaba abordar temas más íntimos y tiernos, lo cual es importante para mí en este momento. No quiero avergonzarme de ello. El cine tiene la capacidad de lograr eso, pero es un equilibrio delicado para encontrar un espacio para la interpretación y evitar ser demasiado directo.
La ternura es mi nueva declaración. Las personas pueden reír y llamarlo una broma, pero para mí es relevante. Vi el documental de Peter Jackson sobre The Beatles mientras escribía esto. Es hermoso ver a estos humanos tratando de hablar sobre conflictos y crear arte a partir de eso. La gente se expresa directamente a través del arte e indirectamente socialmente. ¿Y si el padre en esta historia fuera un director lúcido en su arte pero un evitador en la vida real? Eso me pareció interesante.
En cuanto al enfoque estilístico, hay varias influencias en la película. Utilizamos secuencias de montaje juguetonas y experimentamos con la exposición triple en un momento clave. Además, tuve que esforzarme por ser un mejor director al emular a Gustav Borg, un personaje de Skarsgard, que es un director de la vieja escuela con un estilo extremadamente complejo. Disparamos toda una escena de una película ficticia llamada «Anna» que tuve que dirigir, lo cual fue muy divertido.
Filmamos en 35 mm y utilizamos tanto pistas de Dolly como la computadora de mano. Mezclo diferentes técnicas para encontrar la intimidad y la miscela adecuada para una escala humana. Aunque suena a directores como Bresson o Ozu, creo que mi estilo es un poco más desordenado y en constante evolución.
Si bien es probable que las comparaciones con Bergman surjan debido a mi origen escandinavo y al tema familiar, las influencias del cine estadounidense de los años 70 fueron más evidentes en esta película. Woody Allen, Pablo Mazursky, Peter Bogdanovich, entre otros, fueron referentes importantes para mí.
La música siempre es crucial en mis películas. Quería lograr un sonido de alma con influencias de jazz y soul estadounidense de la época temprana, combinado con elementos modernos. La música de Terry Callier y Labi Siffre, junto con algo de música de Roxy, fue fundamental para la ambientación de la película.
Inga Ibsdotter Lilleaas, quien interpreta a Agnes, fue la revelación de la película para mí. Escribí el papel pensando en Renate y Stellan, pero tuvimos que encontrar a alguien que pudiera igualar a Renate como su hermana menor. Después de seis meses de sesiones de casting, finalmente encontramos a la persona ideal.
Descubre la magia del arte y su impacto en las relaciones personales
En un mundo donde la fama y el reconocimiento suelen ser los protagonistas, a veces las verdaderas joyas se encuentran en personas comunes y corrientes. Así fue como conocí a Anders [Danielsen Lie] y Renate, dos individuos que, aunque no son famosos, resultaron ser quizás los mejores en lo que hacen.
El poder transformador del arte
El arte tiene la capacidad única de revelar verdades que a menudo son difíciles de abordar en las relaciones personales. En una entrevista reciente, reflexioné sobre cómo el arte puede funcionar como un canal para expresar emociones y enfrentar situaciones complejas que a veces no pueden ser comunicadas verbalmente. Como padre, me pregunto constantemente qué transferiré a mis hijos de manera inconsciente, y cómo el arte puede ser una herramienta para sanar y conectarse con los demás.
El arte como lenguaje universal
Los niños, incluso antes de poder hablar, encuentran en el arte una forma de expresión a través del baile y la música. El arte no siempre tiene una función clara, pero es una parte inherente de nuestra humanidad, un medio para ser vistos y entendidos por los demás.
El arte como solución y mecanismo de afrontamiento
El arte puede ser una fuente de autoestima, fama o simplemente una salida necesaria para aquello que no puede ser expresado de manera convencional. En el caso de la película en la que trabajé, vi cómo los personajes encontraban en la creatividad un espacio para sanar y conectar consigo mismos y con los demás.
La dualidad del arte
Si bien el arte a menudo se asocia con la fama y el comercio, es importante reconocer su verdadero valor como un medio de expresión y sanación. A través del arte, podemos transferir emociones y experiencias de una manera hermosa, convirtiéndolo en un mecanismo de afrontamiento poderoso y transformador.
En conclusión, el arte tiene el poder de trascender barreras y conectar a las personas a un nivel más profundo. A través de la creatividad, podemos encontrar la cura para heridas emocionales y la clave para una mayor comprensión y empatía en nuestras relaciones personales.
