Al llegar a la Fundación Louis Vuitton para la doble exposición elegante de primavera, los visitantes se separan inmediatamente. Los franceses suben al piso de arriba, donde Matisse: The Red Studio, reina majestuoso y sereno: el espectáculo de la temporada que hay que ver en París. Los turistas, especialmente estadounidenses, bajan por las escaleras mecánicas hasta Ellsworth Kelly: formas y colores, una elegante retrospectiva que analiza 66 años de pintura monocromática.
Diseñado por Frank Gehry, el Vuitton, situado en el parque infantil Jardin d’Acclimatation, con sus curvas ondeando sobre el pequeño lago navegable y los tiovivos, es una combinación ideal de alegría intelectual francesa y descaro estadounidense, y lo mismo ocurre con estos dos espectáculos.
Ambos son importaciones estadounidenses: Matisse del MoMA, Kelly del Museo Glenstone. Juntos, resumen los desarrollos más amplios de la pintura modernista: hacia la abstracción, la monumentalidad, la primacía del color, la influencia francesa en América, la innovación que pasó de París a Nueva York a mediados de siglo.
El innovador “Estudio Rojo” de Matisse (1911) ingresó al MoMA en 1949. Al representar su taller en Issy-les-Moulineaux, Matisse alteró dramática y arriesgadamente la composición en el último momento: pintó dos tercios de la superficie en rojo veneciano intenso, subsumiendo paredes, suelo, muebles, desterrar la perspectiva, aplanar el espacio, dejar los muebles como meros contornos mientras destacan los cuadros y esculturas representados dentro del estudio. El impulso abstracto fascinó a los artistas estadounidenses de la posguerra.
La pintura regresa a París por primera vez en 30 años para una exposición que reúne todas las obras supervivientes representadas en el lienzo, ideada por el MoMA en 2022, pero ligeramente modificada aquí porque la galería Vuitton es más larga y estrecha. Se siente intensa y gloriosamente, como entrar en la pintura, rodeado por los 10 objetos que contiene.
La instalación también ofrece una absorción íntima en los experimentos de Matisse con la simplificación de la forma entre 1898: “Córcega, el viejo molino”, un paisaje violeta-rosa de una finca de olivos, árboles simples nubes verdes, troncos oscurecidos por una luz centelleante, pintados en puntillista, reluciente. pinceladas, todavía guiadas por el impresionismo, y 1911: el busto escultórico “Jeanette (IV)”, que condensa rasgos y cabello en mechones abstractos, disloca el rostro y rebosa vitalidad.
Algunos de los objetos de propiedad privada representados en “El Estudio Rojo” son apenas conocidos: un “Desnudo vertical con espalda arqueada” de terracota (1906-07), sensualmente moldeado, en precario equilibrio, nunca antes se había mostrado; “Cyclamen” (1911), una pintura abreviada de una mesa de jardín sobre un fondo de rosas, enmarcada por una cortina de hojas verdes, no se ha expuesto desde 1965.
Pero cada objeto aquí sorprende porque Matisse los presenta de manera muy diferente en “The Red Studio”, armonizando, distorsionando o desentrañando sus implicaciones formales. Así, atenua y reduce el alegre «Joven Marinero II» fauvista, con la cara de máscara, los ojos, la gorra, la mandíbula y el jersey como una serie de curvas rítmicas, una composición tan provocativa cuando se dio a conocer en 1906 que fingió que la había pintado su cartero. Pero un plato de cerámica decorado con un desnudo azul acurrucado se amplía y la imagen se refina hasta convertirse en un elegante arabesco, anticipando los gouaches “Desnudo Azul” 40 años después.
Estas disyunciones intrigan. Matisse parece tan sencillo y sin esfuerzo; Este espectáculo deja al descubierto los matices de juicio y ajuste que, de hecho, siempre hizo.
La pintura más destacada dentro de la pintura, el “Gran Desnudo” de color rosa lavanda, una figura pálida y alargada contrastada con motivos florales arremolinados, no está aquí; Matisse pidió su destrucción tras su muerte (“Un pintor no tiene enemigos tan serios como sus malos cuadros”). En cambio, Vuitton muestra cinco estudios de varias colecciones, en tinta azul, lápiz, crayón y pastel, cada vez más esquematizados y finalmente abandonados.
Así que Matisse se abstuvo del borde de la abstracción pura en la década de 1910: el MoMA presta “La ventana azul” (1913), una de las tenues casi monocromas a las que más se acercó. Luego, en 1948, casi con 80 años, pintó “Gran interior rojo”: todo el rojo cadmio tan brillante, explosivo y alegre como en “El estudio rojo”, la estructura de nuevo las pinturas dentro de una pintura. Este fue el último óleo de Matisse; Posteriormente se embarcó en la decoración de la Capilla del Rosario en las afueras de Niza, llevando a cabo la combinación de espacio pictórico y real en estas dos pinturas rojas.
Con “Kilometer Marker” (1949), un elegante arco de óleo y yeso basado en una señal de tráfico francesa, la exposición de Kelly comienza un año después. Vivió en Francia de 1948 a 1954 y destaca su animado compromiso con la pintura francesa.
‘Curva roja en relieve’ de Ellsworth Kelly (2009) © Fundación Ellsworth Kelly/ Primae/Louis Bourjac
Los delgados rectángulos verdes y las formas de hojas curvas matisseanas de “Meschers” (1951), que lleva el nombre de una ciudad de la Gironda, se inspiraron en mirar el río a través de los pinos, una vista reducida al azul del agua y el cielo, los pinos. verdes de aguja. El mismo año, la luz que se astilla en el agua se representa en “Seine” mientras cientos de cubos desiguales en blanco y negro, un deslumbramiento de Op Art y las sombras de un pasamanos que cae sobre una escalera se convierten en el zigzagueante “La Combe II”, un nueve -Panel biombo abatible con bisagras. “Si puedes desconectar la mente y mirar las cosas sólo con los ojos, al final todo se vuelve abstracto”, explicó el artista.
El fundamental “Tableau Vert” (1952) regresa a París, donde fue pintado, recordó Kelly, “días después de ver todas las grandes pinturas tardías de Monet” en Giverny; los verdes azulados moteados evocan la hierba que se balancea bajo la superficie del estanque de nenúfares. Este fue el primer monocromo de Kelly; Desde entonces trabajó en bloques de color, en pinturas cada vez más monumentales que imitan la arquitectura o la escultura, o se convierten en ellas.
“Paisaje de tren” (1953) recuerda una vista pasajera de campos de mostaza, lechugas y espinacas, pero el formato de cuadrícula de paneles unidos cromáticamente contrastantes también hace referencia a la Unité d’habitation modular de Le Corbusier en Marsella, a la que Kelly había hecho una peregrinación. “Gate” (1959) es un par de paneles de aluminio rojo inclinados para encontrarse como una X, como un beso. La estrella gira “Yellow Curve” (1990), instalada en el suelo, proyecta un amplio resplandor amarillo para transformar una habitación entera. “Blue Curves” (2014) se proyecta en el espacio, proyectando sombras vacilantes, pero conserva la frontalidad plana de la pintura monocromática; resuena con la ondulante “Ventana Azul” de Matisse un siglo antes.
‘Paneles de colores (rojo, amarillo, verde, violeta) de Ellsworth Kelly (2014) © Fundación Ellsworth Kelly/Fondation Louis Vuitton/Marc Domage
Un anciano Le Corbusier, al que se le mostraron las pinturas de Kelly en la década de 1960, murmuró que los artistas jóvenes lo tienen fácil, pero añadió que “este tipo de pintura necesita una nueva arquitectura que la acompañe”. El placer en la Fundación Louis Vuitton es que Kelly consigue esa arquitectura. Un año antes de su muerte, su último encargo, en 2014, fueron instalaciones permanentes en el auditorio/sala de conciertos de Vuitton: los enormes monocromáticos “Colored Panels (Red, Yellow, Blue, Green, Violet)”, que Kelly consideró musicales. notas que marcan el espacio asimétrico y el telón del escenario de arcoíris “Spectrum VIII”. La estricta geometría de Kelly contrarresta tan perfectamente el lirismo barroco del edificio de Gehry que estas obras parecen esenciales para él.
Por otro lado, Kelly gana y pierde por la proximidad con Matisse. El contexto dramatiza bien cómo sus preocupaciones por la forma lineal, los tonos saturados y la pintura que evoluciona hacia la arquitectura avanzan desde el modernismo francés. Pero, al final, el minimalismo audaz y los juegos de percepción cerebral no pueden igualar el misterio y la resonancia emocional de Matisse.
Hasta el 9 de septiembre, fondationlouisvuitton.fr
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